Tuesday, June 12, 2012

Cours d'ATC: Sommaire Terminale STIAA - partie 2 (French)


Voici la deuxième partie du sommaire d'ATC, qui se concentre sur les mouvements du XIXe au XXe siècle avec les artistes principaux. Cliquer sur "read more" pour lire le cours.

Sources: notes et consultations variées; Histoire de l'Art de E.H. Gombrich


ATC TERMINALE SÉRIE STI ARTS APPLIQUÉES

XIXème SIÈCLE

L’ART NOUVEAU

- L’Architecte belge Victor Horta (1861-1947) élimine la symétrie pour laisser place à des courbes issues de l’art oriental. Les impressionnistes sont souvent considérés comme les premiers modernes, peignant la nature telle qu’elle apparaissait en étudiant reflet, recherchant une plus grande liberté de touche.

- Paul Cézanne (1839-1906) veut « refaire Poussin par nature » pour atteindre une grandeur et sérénité. Le quatrocento en Italie est l’invention de la perspective et la conquête de la nature. Les impressionnistes découvrent un estompement des contours par des vibrations de lumière et le rôle des reflets dans la coloration. Ils cherchent, par contre, plus tard, comment garder un certain ordre et précision. L’impressionnisme devient parfois confuse, Cézanne s’inspire donc de l’art médiévale (vitraux et enluminures qui suggèrent une lumière et atmosphère, on ne se préoccupe pas de la perspective). Il voulait exprimer la saturation, la pureté de ton.

- Georges Seurat (1859-1891) utilise une méthode quasi-scientifique appelé le pointillisme. Vincent Van Gogh (1853-1890) emploie des tons vifs et purs, laissant l’œil du spectateur saisir l’ensemble. Cézanne s’attache surtout aux rapports entretenue par la forme avec les couleurs. Van Gogh voulait que le tableau exprime son émotion.

- Paul Gaugin (1843-1903) pense que le japonisme est trop raffiné. Voulant être considéré comme un barbare, il s’inspirait des indigènes en étudiant les techniques d’artisans locaux des pays « exotiques » (comme Tahiti, qu’il visite). Simplifiant formes et contours, il peint de larges surfaces aux tons intenses. Il veut rendre plus pleinement la fraîcheur de ce mode de vie dynamique qui l’intrigue tant.

- Pierre Bonnard (1867-1947) utilise l’Art Nouveau pour suggérer des frissons de lumière, et couleurs, sur la toile (comme une tapisserie). Il évite de souligner perspective et profondeur. Ferdinand Hodler (1853-1918) simplifie le paysage pour leur donner une clarté d’affiches. William Morris adapte ceci aux illustrations. Aubrey Beardsley (1872-1898) est inspiré par Whistler, et comme tant d’autres, le japonisme. L’Art Nouveau est primordialement décoratif, mais commence à évoluer vers des séries d’estampes ayant la qualité d’être esthétiquement plaisant et non seulement ornemental. Cézanne ouvre la voie au cubisme…



XXème SIÈCLE

- Dans l’architecture, on veut se débarrasser des soucis de style et ornements. Aux Etats-Unis, ceci se développe énormément, dû en partie, aux grands progrès techniques. Frank Lloyd Wright (1869-1959) se concentre plus sur les pièces intérieurs que la façade extérieur. Il renonce à ce type de symétrie sacro-sainte/religieuse, et supprime corniches et décors. On appelle architecture organique l’idéologie qu’une maison se développe de la même façon qu’un être vivant.


Le Bauhaus

- L’école Bauhaus de Dessau (en Allemagne) fut fondée par Walter Gropius dans un cadre fermé, liquidé par les nazis. Le mouvement crée un lien entre l’architecte et l’ingénieur : le fonctionnalisme. Si un objet répond bien aux attentes fonctionnels de l’utilisateur, alors la beauté suivra. L’excès de simplification pourrait faire croire que l’art moderne servent de lieu d’apprentissage/ d’expérimentation.


L’ART AFRICAIN

- Elle devient une sorte de « fascination » pour les Européens. Cet art africain (bien que l’Afrique soit un continent entier, cet art est le plus souvent excessivement généralisé). L’intensité de l’expression, la clarté de la structure et la simplicité de la technique inspirent les artistes européens qui vont là pour chercher l’originalité.


L’EXPRESSIONISME

- Evdard Munch (1863-1944) en 1895 exécute « Le Cri » où toutes les lignes semblent converger vers un seul point.Les expressionnistes se fondent sur la souffrance, violence, pauvreté, colère et autres malheurs de l’humanité. Ils font face aux duretés de l’existence pour les exprimer à travers leurs œuvres. Käthe Kollwitz (1867-1945) voulait défendre, par exemple, les pauvres et opprimés.

- En 1906 un groupe de peintres allemands fondent une association baptisée Die Brücke (le Pont) qui veut combattre le passé pour faire apparaître une nouvelle vie. Emil Nolde (1867-1956) en fait partie pendant un petit moment. Ernst Barloch (1870-1938) se fait exilé par les nazis qui suppriment l’art moderne. Oskar Kokoschka (1886-1980) et Barlach « théâtralisent » leurs oeuvres.

- Wassily Kandinsky (1886-1944) n’aimait pas le progrès de la science et voulait un art « d’intériorité ». Son livre « du spirituel dans l’art » (1912) mets en avant les effets psychologiques de la couleur. S’inspirant de la musique, il expose ses « musiques colorées » qui sont une des premières exemples d’art abstrait. Le conflit entre décoratif et solidité s’obtient avec nombreux ombres et lumières d’intensités diverses. En 1905 il expose « Les Fauves » aux couleurs violentes, l’aversion à l’égard des formes de la nature.

- Henri Matisse (1869-1954) utilise une simplification quasi décorative. Inspiré des tapis d’orient et les paysages Nord Africain, il se base légèrement sur Bonnard.

LE CUBISME

Pablo Picasso (1881-1973) étudie l’art de peuples dits  « primitifs » à l’époque après avoir essayé l’expressionnisme. Il veut construire son sujet (le visage par exemple) avec des figures simples. Il voit géométriquement : cubes, cônes, cylindres…et s’inspire de Cézanne ainsi que l’art Égyptien. Le cubisme demande aux spectateurs de participer à un jeu de reconstruction. Picasso veut pousser les limites de la déconstruction tout en gardant des « traces » de la forme du sujet originel par plusieurs moyens (la céramique).

- Paul Klee (1879-1940) peintre et musicien prend connaissance du cubisme à Paris en 1912. Il vois une nouvelle possibilité de jouer avec les formes avec un mélange de réel et imaginaire. Il établi le rapport entre les lignes, valeurs, et couleurs pour arriver à l’équilibre. Beaucoup d’artistes pensent que l’œuvre doit se développer selon « ses propres lois »

- Lyonel Feininger (1871-1956) veut figurer l ‘espace sur une surface plane. Constantin Brancusi (1876-1957), sculpteur roumain, cherche à simplifier à l’extrême (« Le Baiser » 1907). À Paris, en Russie et Hollande, on commence à se demander si la peinture ne pourrait pas se construire comme l’architecture. Néerlandais Piet Mondrian (1872-1944) crée des compositions en lignes droites, aux couleurs pures. La clarté et discipline exprimée forment une atmosphère mystique, qui veut réveiller les sens, illusions… Ben Nicholson (1894-1982) se concentre sur les formes, comme les cercles et rectangles, en alternant les profondeurs. Il uniformise l’art et la religion.

- Alexandre Calder (1898-1976) est un sculpteur Américain, influencé par Mondrian, qui veut refléter les notions mathématiques à travers ses œuvres « dynamiques » (mobiles) qui tournoient et balancent, aux couleurs et formes variées. Sculpteur Henry Moore (1898-1986) pars sans modèle et directement sur le bloc de pierre. Voulant conserver la solidité et simplicité du roc, il souhaite suggérer la forme. Henri Rousseau (1844-1910) s’éloigne des formations traditionnelles : il peint les contours en recherchant le coté naïf de la nature. Marc Chagall (1889-1985) utilise son enfance difficile pour traduire la vie villageoise, les musiciens…etc Ces peintres veulent représenter des sujets non pas élites, mais communs et destiné au public général. Ils sont encouragés par l’Allemagne nazie et la Russie communiste.

LE SURRÉALISME

- Girorgio Chirico (1888-1978), Grec, joue sur l’inattendu, l’énigmatique, le fantastique, l’onirique. René Magritte (1898-1967) fut influencé par « Chant d’amour » de Chirico, y retrouvant une vision nouvelle. Il peint « Tenter l’impossible », voulant cacher un piège et créer une nouvelle réalité, au lieu d’uniquement copier la vie.

- Alberto Giacometti (1901-1966) fera penser à Brancussi. Ces surréalistes sont s’inspirent de Freud. Salvador Dalì (1904-1989) mêle fragments d’imaginaire et monde réel en peignant avec soin et incorporant nombreux détails. Il donne l’impression que la folie contient un sens caché et ‘plis’ la forme pour représenter plusieurs choses à la fois.

LE DADA

- Kurt Schwitters (1887-1948) tente d’imiter la pensée enfantine avec « l’anti-art ». Le Français Marcel Duchamp (1887-1968) invente le « ready made » en détournant les objets communs, qui deviennent alors art dès que son nom y est signé. Joseph Beuys (1921-1986) en Allemagne suis cette notion « action painting » ou expressionnisme abstrait. Franz Kline (1910-1962) et pierre Soulages (1919-…) avec des touches simples crées par l’impression d’espace. La fascination pour la texture résulte en la sensation d’une substance, douceur, rugosité, transparence et densité.

- Le Hongrois Zoltan Kemeny (1907-1965) crée des compositions abstraites en métal. «L’Op-Art » évoque l’effet visuel inattendu et l’éblouissement. Nicolas de Staël (1914-1955) peint souvent l’évocation de paysages donne l’impression de lumière plus la distance. Marino Marini (1901-1980) crée des variations sur les guerres. Giorgio Morandini (1890-1964) est impressionné par les peintures de Chirico rejettera les mouvements « à la mode ».

POP ART

- Il peut être allié à la découverte du « pop music » et le modernise. Le terme de post modernisme est introduit en 1975 par Charles Jencks. 

No comments:

Post a Comment